31.7.08

APJCC homenageia os 100 anos de imigração japonesa

CINE LÍBERO LUXARDO (CENTUR)
SESSÃO MALDITA: VIVER OU MORRER NO ORIENTE
DIAS 02,09, 16, 23 E 30 DE AGOSTO, SÁBADO, ÀS 21:30 H.
ENTRADA FRANCA



Em comemoração ao Centenário da Imigração Japonesa. Um passeio pelos diversos subgêneros que povoam essa fabulosa cinematografia.



      


       A mostra Viver e morrer no Oriente nos vem lembrar que não há nada como o cinema japonês e sua mais absoluta autenticidade. Filmes como Kairo, Onibaba, Tetsuo, Graveyard of honor e Sex e fury usam tons fantasmagóricos, violência gráfica e erotismo para falar sobre solidão e a mutação ou deteriorização do corpo e da alma. Incitam uma análise política, sociológica, histórica e psicológica. São obras que vão de um vigoroso minimalismo ao mais variado experimentalismo. O impacto desses filmes vem em alto e bom som, um vertiginoso deleite para os olhos e a mente! A APJCC faz sua homenagem aos 100 anos de imigração japonesa. Compareçam!

Max Andreone - APJCC




Programação:


 


02/08/2008 (sábado)
Onibaba (Em/1964/100 min)
Direção: Shindo Kaneto
Elenco: Otawa Nobuko, Yoshimura Jitsuko, Sato Kei, Uno Jukichi, Tonoyama Taiji, Matsumoto Somesho, Kaji Rentaro, Aratani Hosui



 


Sinopse:
No Período Sengoku, um conflito pelo poder divide o Japão feudal. A guerra civil que se prolonga por mais de um século tem consequências sérias, sobretudo para os mais pobres: as terras são abandonadas e é difícil obter alimentos. Duas mulheres, sogra e nora, vivem numa cabana no meio de um canavial, junto a um rio. O seu modo de vida consiste em matar os samurai feridos e moribundos que por ali passam, para trocarem armas e armaduras por comida. Um dia, Hachi, um vizinho que tinha partido para a guerra com o marido da mulher mais jovem, regressa, pondo em risco a manutenção da economia familiar.




09/08/2008
Sex & Fury (Furyô anego den: Inoshika Ochô/1973/ 88Min)
Direção: Norifumi Suzuki


16/08/2008
Graveyard of Honor (Jingi no Hakaba/ 1975/ 94 min)
Direção: Kinji Fukasaku


23/08/2008
Tetsuo :The Iron Man (1988/ 67min)
Roteiro e direção : Shinya Tsukamoto


 

30.7.08

Ciclo Mario Bava: a beleza do Horror

Cinema na Casa apresenta:



 


Ciclo Mario Bava: a beleza do Horror


       Em 31 de julho de 1914 em Sanremo, para servir ao cinema e ao fantástico, nasce Mario Bava. Seu pai, por obra do destino, foi um dos fundadores da indústria cinematográfica italiana, e o menino Bava, desde cedo, se interessava pelas câmeras e brincava nos sets de filmagem. Depois de fazer história na juventude como diretor de fotografia de mestres como Rossellini, Pabst e Raoul Walsh, o já maduro Mario, tem, aos 46 anos, a chance de assinar o seu primeiro filme. Ele já tinha terminado de dirigir filmes como o primeiro horror italiano “I Vampiri (1956)” que Riccardo Freda abandonou, dentre outros... mas é com o sucesso mundial “A Máscara do Demônio” (1960) que realmente começa a escrever a sua própria história: a história de um dos homens mais criativos do século XX. Um pedacinho dela será mostrada no mês de agosto no Cinema na Casa. Além de “A máscara do demônio (1960)”, serão apresentadas as obras-primas: “As três máscaras do horror (1963)”, “Planeta dos vampiros (1965) ” e “Rabid dogs (1974)”.
       Pai do cinema de horror italiano e maestro cinematográfico absoluto do fantástico na história da arte, gênio incompreendido em muitos cantos, é louvado por grandes mestres e amantes da sétima arte em todo o mundo. Um esteta refinado, mestre-mor dos efeitos especiais, poeta da iluminação e do enquadramento, tem controle total de todos os mecanismos que compõe a linguagem do cinema. Experimentalista, foi muito mais que um grande contador de histórias macabras ou um debatedor de grandes temas obscuros do inconsciente, Mario Bava transcendeu seu tempo para ficar na eternidade; ao invés de criar formas que embelezassem o conteúdo, criou formas novas de expressão artística, onde o conteúdo se encontrava no próprio exercício de seu estilo.


       Ainda na intenção de desmistificação na cidade de preconceitos tolos e castradores, o Cinema na Casa apresenta o Ciclo Mario Bava: a beleza do Horror. A poesia maldita do italiano pela primeira vez ecoará em Belém. Um gênio que ocupa o Olimpo do cinema, ao lado de Alfred Hitchcock, merece as libações dos meros mortais. Bravo Mario Bava! Te saúdo! Hoje, e sempre.




Mateus Moura.


Associação Paraense de Jovens Críticos de Cinema


 


Programação:


 


Dia 05/08/08 (terça-feira) às 18:30


Auditório da Casa da Linguagem (av. Nazaré, 31)




A máscara de Satã. Mario Bava. 1960. p/b



 


No seu lançamento, “A máscara de Satã”, para surpresa de seus produtores, foi um sucesso mundial. O primeiro filme assinado por Mario Bava reconta cineatmosfericamente o conto “Viy” de Nicolai Gogol. O delírio visual gótico de horror e sombras tem Barbara Steele como protagonista dupla – considerada “Rainha do Horror” eterna após o lançamento do filme.
A primeira obra-prima do mestre do horror nos convida para uma viagem onírica à Moldávia do século XVII. A diabólica princesa Asa (Bárbara Steele) é condenada a morte por bruxaria e vampirismo, junto com seu irmão. Ela é punida com a “máscara de satã”, mas amaldiçoa a família e seus descendentes. Duzentos anos depois, no século da fé científica, dois médicos se hospedam na aldeia medrosa de lendas. O Destino (Bava) se encarrega do resto.

Mateus Moura.

18.7.08

Cine UEPa discute arte maldita no Enel

1. Cine UEPa no Enel: Diálogos sobre a arte maldita


       O cinema nasce, no fim do século XIX, como parte do espetáculo de variedades. Junto com as focas amestradas e o homem-bala, a máquina de imagens divertia o público faminto por entretenimento. O tempo passou, e mestres como Meliès, Griffith, Hitchcock, Godard e Sokúrov retiram o cinema das feiras e o instituíram como linguagem artística autônoma. Mais de um século de produção, porém, não foi suficiente para que o público consumidor da sétima arte deixasse de vê-la como mero entretenimento.
       O cinema é uma arte maldita. Alguns defendem até mesmo que ele não é arte. Os poucos indivíduos que o respeitam, porém, ainda esbarram em sérios mal-entendidos. Na sua defesa do “filme de arte” acabam discriminando tudo o que, a princípio, ofende o seu “bom gosto”. Mais preocupados em enxergar a arte cinematográfica como transmissora de boas idéias e nobres sentimentos acabam por ignorar um cinema que, na sua educada visão, é lido como superficial: o cinema do gênero.
       Preocupado com esta realidade, o Cine UEPa abre o debate sobre o assunto e apresenta três títulos do mais desprezado gênero cinematográfico: o Horror. “Profondo Rosso”, “The Beyond”, “Canibal Holocaust” são filmes de entretenimento, com litros de sangue, assassinos seriais, zumbis e canibalismo, mas são acima de tudo extraordinárias homenagens de amor ao cinema.

Miguel Haoni e Mateus Moura




Programação:


Dia 20 (Domingo) às 19:00 - Profondo Rosso (1975) de Dario Argento




       Um pianista elogia a banda com a qual toca, a sonoridade é muito boa. Boa demais. Limpa demais. Ele sente falta do sujo, ele se cansa do extremamente formal. Esta cena nos elucida algo sobre o pensamento do diretor italiano Dario Argento, sobre seu interesse pelo violento, pelo repulsivo e, principalmente, sobre sua capacidade de criar o belo a partir do aterrador.
       Afinal, PROFONDO ROSSO é um dos filmes mais belos da história do cinema. Beleza do horror, poema das coisas sombrias e da crueldade arraigada na mente humana. O belo que há no brutal e no incontrolável.
       O mundo de Dario Argento é outro, onde o psicológico se expressa através de objetos representativos das psiquês doentias pelas quais a obra desse autor tem especial interesse. Somos Alice no imaginário desse gênio, que em seu aparente absurdo vai se tornando cada vez mais fascinante.


Felipe Cruz


 


Dia 21 (segunda-feira) às 19:00 - The Beyond (1981) de Lucio Fulci



 


       Lucio Fulci é um dos maiores gênios da sétima arte. Louvado por muitos como o “Edgar Allan Poe do cinema”, “Godfather do gore”, o italiano, foi, por muito tempo desprezado por crítica e público, enquanto Federico Fellini e Luchino Visconti o aplaudiam de pé nos cinemas.
       Em 1981, Fulci entrega a sua obra máxima: The Beyond. Filme apresentado em formato anamórfico (primorosamente utilizado com jogos de foco que são verdadeiras aulas de cinema), com história de Dardano Sacchetti, e atuações de Catriona MacColl, David Warbeck e Cinzia Monreale, é cultuado no mundo todo por especialistas como uma das obras primas do fantástico em toda a história da arte.
       O poema visual que o diretor constrói é embaraçoso para qualquer crítico. Inefável é a palavra que melhor o descreve. Em 87 minutos, Lucio Fulci nos convida para o outro lado: o seu. O poema nervoso e calmo, belo e triste, nos comunica, através de nossa contemplação muda, todo o ser de um artista, toda uma reflexão sobre seu objeto de expressão. A reflexão vai tão longe que não pode mais ser dito com palavras, explicado racionalmente. É o próprio ser do grande artista que se imprime em cada plano. É o amor – e nada mais – o amor à sua obra de arte, e à sua ferramenta de expressão.

Mateus Moura


 


Dia 23 (quarta-feira) às 16:30 - Canibal Holocaust (1980) de Ruggero Deodato


 


 


O polêmico filme de Ruggero Deodato aborda a tênue relação entre o real e o fictício. Numa ciranda de encenações, o autor explora os limites da linguagem cinematográfica ao abordar o documentário enquanto lugar de representação.
Na era da imagem, Cannibal Hollocaust põe em questão o lugar do espectador no rito cinematográfico: qual a diferença entre o canibal e o homem que se regozija ao devorar imagens grotescas? Quem é o selvagem? Qual o limite entre a civilização e a barbárie? Ao jogar com estas fronteiras, o diretor nos apresenta um filme violento, inteligente e acima de tudo corajoso.

Miguel Haoni





Local:  UFPa/Guamá


 


Entrada franca! Todos são convidados!


 


2. Cinema na Casa: Ciclo Samuel Fuller



22/07/08 (terça-feira) às 18:30
Auditório da Casa da Linguagem (av. Nazaré, 31)




Agonia e Glória. Dir. Samuel Fuller. Eua. 1980. 113min.





Um sargento veterano da primeira guerra comanda um pelotão na segunda guerra pela África, Sicilia, no dia D, na Bélgica e na França, mas seu grupo termina num campo de concentração na Tchecoslováquia e enfrenta os verdadeiros horrores da guerra.

11.7.08

Brad Bird (EUA, 1957-)

Ratatouille (2007)

Por Felipe Cruz*

Se a Literatura nasce da escrita que tinha a finalidade de registrar a fala e a Pintura nasce do desenho rupestre que registrava o cotidiano dos homens em rochas, a linguagem da Pixar tem sua raiz em um aparelho que foi criado para armazenar dados na II Guerra Mundial: o computador. Não fosse o artista, o computador continuaria sendo um frio armazenador de dados – fica provado, assim, que é impossível prever de onde virá a arte; e é justamente esse o tema da obra-prima Ratatouille.
Um dos mais belos poemas ao processo artístico, de sua criação até sua apreciação; uma das mais brilhantes reflexões sobre o que diferencia a arte da produção em série, Ratatouille encontra nas mãos do artista Brad Bird a possibilidade de (através da narrativa de um ratinho simpático que tem paixão pela arte da culinária, mas que por ser rato terá problemas em se tornar um chef), tecer diante de nossos olhos emocionados um dos mais cativantes contos sobre o amor à arte e todas as possibilidades e sensações que ela desperta nos seres que se permitem ser suscetíveis a ela. E para concretizar essa narrativa Bird usa de todo o potencial de sua linguagem: planos-sequência inconcebíveis no cinema, um zoom que se aproxima tanto do personagem que enxerga sua lembrança e um retrato dos mais belos já realizados da cidade de Paris – recriada aqui não para ser “fiel” a “original”, mas para ter o efeito narrativo de ser tão poética que é difícil imaginar que a história pudesse se dar em outro lugar com a mesma atmosfera de encanto.
Se quem está lendo esse texto está pensando que Ratatouille é um daqueles “filmes” para criança que é tão bom que diverte até os adultos, me desculpe, mas você não poderia estar mais enganado. Ratatouille é um daquelas animações (feita, sim, para o público infantil) que é tão boa que cativa o público capaz de apreciá-lo em sua essência: os amantes de grandes filmes que também entendem e respeitam as grandes animações.
O grande chef Gusteau estava certo ao dizer ao ratinho Rémy que “todos podem cozinhar” – porque isso não quer dizer que qualquer pessoa é naturalmente artista, mas que a arte pode vir de qualquer lugar; nem que seja do mais insignificante rato.

*publicado originalmente em junho de 2009

Por Mateus Moura*

No filme de Brad Bird, uma animação lançada pela Pixar/Disney em 2007 chamada Ratatouille , um ratinho de nome Remy, descobre – através do grande Chef Gusteau – que qualquer um pode cozinhar, não importando a classe social, a escolaridade, o tamanho ou a espécie. Nas suas aventuras em busca de novos pratos vemos o prazer do pequeno rato em criar o novo; seu irmão, o grande glutão Emile, convencionou que o alimento é pra saciar a fome, nada mais. Numa brilhante cena – só possível na linguagem da animação – o diretor nos emociona com um Remy que tenta a todo custo explicar ao seu irmão insensível à sua arte e a sensação da contemplação de uma degustação, da beleza na mistura de aromas e sabores, da poesia que a criação pode atingir no objeto comestível. A culinária é a arte que encanta o rato, e o alimento é a matéria-prima que ele utiliza para as suas criações.

*publicado originalmente em junho de 2009

Por Felipe Cruz*

O que é a arte? O que é o artista? O que torna a expressão artística algo capaz de produzir tanta fascinação naqueles que se entregam a sua apreciação?
Essas são perguntas que atravessaram os séculos da história humana e para as quais, felizmente, nunca encontramos respostas – nos restando sempre o prazer inestimável da pergunta; e uma das mais belas perguntas já postuladas a respeito do que vem a ser a arte e o que vem a fazer um verdadeiro artista é a animação Ratatouille, de Brad Bird.
Refletindo a respeito da afirmação do chef Gusteau de que “qualquer um pode cozinhar”, esta obra-prima dos estúdios Pixar é um hino de amor à arte e à possibilidade sempre renovadora que ela possui de surgir nos mais improváveis lugares.

*publicado originalmente em julho de 2010

8.7.08

Projeto debate fotografia e cinema na Ed. da UEPa

Projeto debate fotografia e cinema na Editora da Uepa



Parceria entre Editora da Uepa, Associação Fotoativa e CineUepa promove exibição do filme paraense "Feito Poeira ao Vento" e do filme francês "La Jetée" nesta quarta-feira, dia 09

A relação entre a fotografia e o cinema em filmes clássicos e na produção contemporânea estará em debate nesta quarta-feira, dia 09, a partir das 19h na Editora da UEPA (Eduepa) no projeto Diálogos de Fotografia e Cinema. O projeto é uma parceria entre a Editora da UEPA, Associação Fotoativa e CineUepa, com objetivo de criar grupos de diálogos sobre imagem, abrindo espaço para o debate tanto da produção local contemporânea quanto das produções já consagradas em fotografia e cinema.
Nesta primeira mostra serão apresentados para debate os filmes: "Feito Poeira ao Vento", de 2006, do fotógrafo paraense Dirceu Maués e "La Jetée", de 1962, do cineasta e fotógrafo francês Chris Marker.
Depois da exibição, integrantes do CineUEPA mediarão as discussões sobre a estética fotográfica aliada ao cinema, com a participação do fotógrafo Dirceu Maués. O projeto Diálogos de Fotografia futuramente promoverá debates associando fotografia e outras produções culturais, como dramaturgia, dança e música.
Eduepa – A programação Diálogos de Fotografia na Editora da UEPA faz parte de uma série de ações que a Editora realizará ao longo deste ano abrindo seu espaço para encontros e ações culturais, como oficinas, palestras e projetos educativos de estímulo à leitura e produção textual. Um dos objetivos da Editora da UEPA é não se restringir à publicação de livros acadêmicos da Universidade, mas também receber e divulgar os trabalhos dos profissionais que produzem cultura dentro e fora do Estado.



Serviço:
O projeto Diálogos de Fotografia e Cinema na Editora da UEPA acontece nesta quarta-feira, dia 09, na Editora da UEPA, que fica na Dom Pedro I, 519, entre as avenidas Senador Lemos e Municipalidade, no Umarizal, a partir 19h.




La Jetée. Chris Marker. 1962. Photo-roman. p/b.



 


Chris Marker, cineasta francês, num formato de foto-romance (seqüência de fotos inanimadas), realiza La Jetée em 1962. Conta-se uma belíssima história: a de um homem marcado por uma imagem de infância numa plataforma. Num espaço/tempo fictícios (uma Terra devastada depois da terceira guerra mundial), Marker discute espaço e tempo, amor e vida - na realidade do seu imaginário. A memória, a matéria, a busca do tempo perdido, a imagem, o movimento, o cinema... temas caros aos franceses são revistos nessa grande obra experimental. O cuidado com a montagem, a música, e a incrível sensação de que cada foto é perfeita fazem desta obra uma experiência única. Grandes reflexões são feitas. Poderosos sentimentos são expressados. O cinema, a fotografia, a imagem, a arte da imagem, o espaço e o tempo... a eternidade.

Mateus Moura.

6.7.08

Alfred Hitchcock (Inglaterra/ EUA, 1899-1980)






Janela Indiscreta (Rear Window, 1954)*

Por Mateus Moura

Janela indiscreta é a obra-prima de um gênio no ápice de sua criatividade e rigor. Recheado de cenas antológicas e ontológicos, é um dos filmes da minha vida. A apresentação dos personagens já basta para colocar o cineasta inglês onde ele merece, e onde está hoje: num trono da casa chamada cinema. As cenas antológicas são aquelas que vão para a antologia do cinema, as ontológicas são aquelas que pensam o cinema em sua essência.
Jeff (incorporado por James Stewart) é o fotógrafo aventureiro que sofreu um acidente de trabalho e está confinado três semanas numa cadeira de rodas de frente para a sua janela, que tem vista para a vizinhança (ou em outras palavras: o mundo). E a primeira cena antológica do filme vem na apresentação estritamente áudio-visual da situação deste personagem. Em travellings Hitchcock nos diz tudo sem uma palavra. Mais tarde ele explica com palavras o que aconteceu. Questão de prevenção com o público desatento, afinal, para Hitch, perder o espectador por incompreensão intelectual do enredo é a morte do seu projeto. Tudo é preciso estar claro para o espectador, é a manipulação das emoções o jogo mais prazeroso para esse cineasta; se o espectador está perdido tentando decifrar o que não entendeu consequentemente perde o máximo que a cena que se transcorre pode oferecer emocionalmente; perde a identificação inconsciente com o personagem, perde a sensação universal da angústia, perde, em suma, o suspense. Alfred Hitchcock foi vanguardista do cinema clássico; experimentava como ninguém, mas tudo a favor da construção dramática da narrativa.
Uma cena ontológica, não obstante, ocorre antes da primeira cena antológica. Durante os créditos assistimos as persianas sendo recolhidas e a grande janela enquadrada enquanto passam os créditos. Nos diz Hitchcock com imagens que acabou de ser escancarado para nós, peeping toms (ou: espectadores), o mundo da ilusão – aquele que enxergamos com os olhos (o cinema, mas também nossa própria vizinhança). Mas esse mundo (que é o mundo mesmo, enquanto construção cósmica inteligente), será mediado por um fotógrafo, que o vê, mas que o ‘enxerga’ através de lentes, o completa através da imaginação. Seria Jeff alter-ego de Alfred Hitchcock - cineasta? Não confundindo autor com narrador, acredito que o personagem é no mínimo símbolo dos espectadores que vivem a aventura de produzir imagens, além de apenas observá-las.
A aparição de Lisa Fremont (a mulher mais linda do mundo: Grace Kelly) é a segunda cena antológica. Das trevas surge um fantasma, no big close-up o anjo, no rosto do herói que dorme a sombra, no slow-motion o despertar num beijo erótico de cinema. Inefável.
Todos nós que temos o sentido da visão vemos o mundo de uma forma única, através dos nossos olhos (as tais “janelas da alma”). O que Hitchcock propõe a si mesmo em Janela Indiscreta é a materialização desse mundo subjetivo e sua apercepção. O que seria um brainstorm vira um filme impuro de dois gêneros. O cineasta das massas emociona com o filme de mistério e entretém com a comédia de casamento. Nesse ínterim filosofa por um viés transcedental o cinema enquanto registro físico-poético da essência do imaginar, sócio-psicanalisa com humor as relações amorosas e as neuroses masculinas e femininas de seu tempo, dialoga metalinguisticaironicamente com a História do cinema e dos gêneros de que se serve e capta com a câmera os mais belos quadros de amor e medo de sua prolífica carreira artística. Nem mil palavras por imagem podem descrever todas as dimensões de Janela Indiscreta.
Com o cinema (e a arte em geral) aprendemos a viver. Após assistir os personagens e suas ações, refletimos as nossas, os nossos. Jeff e Lisa divagam seus problemas conjugais a partir das análises de cada janela, como se cada uma fosse um canal onde se propõe uma forma de espetáculo da vida. Eles, como nós, teriam de escolher qual se acostumar e seguir. Afinal, constituir família pressupõe um script social, assim como viver uma vida de aventuras parece não permitir confortos como o “happy end” ou o sexo ao som de violinos. Hitchcock acredita, como Sigmund Freud e Jean Renoir, não apenas que vive na “sociedade do espetáculo”, mas que a sociedade em si (qualquer que seja e cada qual com suas convenções) encerra em sua essência a idéia do espetáculo, cabendo a todos nós ocupar um papel, e representá-lo.
Um filme de montagem & mise-en-scène & enquadramento & movimento de câmera em uníssona unidade artística, em zênite estilístico. Cada sequência é um tratado misterioso, cada quadro uma forma lapidada da naturalidade da criação em estado de graça.
Ja tinha escrito sobre o filme em outra ocasião aqui no blog. Por hoje é só isso.

*Publicado originalmente em junho de 2010, no blog Cinemateus.


 
Frenesi (Frenzy, 1972)*

Por Aerton Martins

Alfred Hitchcock começou a fazer filmes cedo. Seu gênio nunca foi superado por nenhum outro cineasta. Tinha uma percepção fora dos padrões. Levava para o set de filmagens o filme todo estruturado. O cameraman de “Janela Indiscreta” ficou assustado com as palavras de seu patrão: “eu não preciso ver como ficou a cena, já está tudo na minha cabeça”. Hitch tomou gosto pelas produções expressionistas quando trabalhava como “legendador” de filmes mudos. Encheu seu bolso muito rápido. O diretor britânico mais bem pago de sua época. Apesar de grandes filmes na Inglaterra, no começo de sua carreira, “39 Degraus” e "Blackmail", foi em Hollywood que o gordinho pôde experimentar. Tamanha filmografia do diretor que outras obras, não menos importantes, foram despejadas na vala do desprezo por parte do público ou caíram no esquecimento. "Frenesi" faz parte dessa lista e nada melhor que abraçar uma das grandes pérolas da sétima-arte. O diretor retorna a Londres depois de 30 anos afastado. O humor frequente de Hitchcock é visto nos primeiros minutos: uma mulher nua, morta à beira do rio, e um político levantando  discurso sobre a poluição. Hitchcock era mestre em destruir suas personagens e ‘manipular’ o gosto do público, a cena onde o assassino se atrapalha em um caminhão de batatas é de lamber os beiços. Seco, direto, sem ladainhas e isento de frouxuras no roteiro. "Frenesi" finca o refinamento fílmico de um Deus do cinema.

*publicado originalmente em junho de 2010

John Hughes (EUA, 1950-2009)


Clube dos Cinco (Breakfast Club, 1985)*

Por Miguel Haoni:

Poucos artistas conseguiram enxergar dentro da alma dos jovens como o americano John Hugues. Suas obras eram tratados líricos sobre a liberdade, o amor e a masturbação; sobre o eterno conflito entre pais e filhos; sobre a descoberta da vida no coração oprimido dos lares e escolas americanos.
Tamanha era a ressonância do seu trabalho que seus filmes eram aguardados e devorados como um disco novo da banda preferida por milhões de jovens pelo mundo.

O lugar de Hughes na indústria cinematográfica é inquestionável. Mas mais importante que isso é o seu papel para a arte: seus filmes revelam o trabalho de um cineasta rigoroso, sensível e extremamente apaixonado pelas imagens que captura.

O maior exemplo dessa inventividade está no clássico "Clube dos Cinco", no qual o confinamento espaço-temporal representa a ampliação dos potenciais imagéticos da obra, como no cinema de Sidney Lumet.

O drama e a aventura dos cinco jovens na detenção tem tanta humanidade em cada fotograma que é impossível não se assombrar com a sua grandeza.

*publicado originalmente em julho de 2010.

 
Curtindo a Vida Adoidado (Ferris Bueller's Day Off, 1986)*

Por Felipe Cruz:

John Hughes era um homem apaixonado pela liberdade. Era também um homem radical: para ele a verdadeira liberdade só era possível na juventude, afinal "quando você envelhece seu coração morre". Curtindo a Vida Adoidado é mais que um clássico de sessão da tarde, é mais do que um filme divertido com aquela música bacana dos Beatles na trilha sonora. O dia em que Ferris Bueller mata aula é o grito de um artista que tinha uma mente fervilhante e sabia traduzir tanta ânsia de ser livre em imagens tão lindas e inesquecíveis que são capazes de ressuscitar até o mais morto dos corações.

Por Mateus Moura:

“SAVE FERRIS!”. Qual adolescente nascido nos 80 não pichou sua carteira escolar com os dizeres libertários? Só quem não assistia a sessão da tarde! (Quem não assistia sessão da tarde?). Ao som de Twist and shout a gente pulava, gritava, sorria, se emocionava, se encantava...E depois que crescemos? Quando envelhecemos o nosso coração morre mesmo?
O medo de rever o clássico que trouxe tantas alegrias no passado era o de transformar um sentimento nostálgico num prazer culpado (guilty pleasure). Seria enfim o sepultamento da inocência? Rever “Curtindo a vida adoidado” seria enfim descobrir que o prazer que sentimos se devia à empolgação da época e não à qualidade do filme?
Milagrosamente, descobrimos outro filme! Não o filme dublado entre intervalos e em full screen que vimos na nossa tv, mas um filme que em si – por exemplo - é uma ode ao cinemascope! Os personagens – todos – mais que encantadores se revelaram símbolos de uma era; sem falar no ritmo, nas cores, na mise-en-scene, na decupagem... enfim, nos vimos obrigado a mudar de slogan: “SAVE HUGHES” – as carteiras da UEPa que nos perdoem...
Revendo a obra de John Hughes descobrimos que, além de ser um dos maiores cineastas de todos os tempos (sendo o maior no gênero que abraçou), este homem sensível e extremamente corajoso, nos legou uma obra-prima sobre a arte de amar a liberdade, que merece ser respeitada como tal. Vos convoco crianças, adolescentes e adultos: não percam seu tempo enfurnados nas salas aprendendo a obedecer para mandar mais tarde... venham assistir “Ferris Bueller’s Day Off”... pois as grandes obras de arte do nosso século não se encontram mais nos museus, mas nos cineclubes.
SAVE HUGHES! Descanse em paz (ou como quiser).


*publicados originalmente em setembro de 2009

John Hughes (EUA, 1950-2009)

Clube dos Cinco (1985)*

Por Miguel Haoni 
Poucos artistas conseguiram enxergar dentro da alma dos jovens como o americano John Hugues. Suas obras eram tratados líricos sobre a liberdade, o amor e a masturbação; sobre o eterno conflito entre pais e filhos; sobre a descoberta da vida no coração oprimido dos lares e escolas americanos.
Tamanha era a ressonância do seu trabalho que seus filmes eram aguardados e devorados como um disco novo da banda preferida por milhões de jovens pelo mundo.

O lugar de Hughes na indústria cinematográfica é inquestionável. Mas mais importante que isso é o seu papel para a arte: seus filmes revelam o trabalho de um cineasta rigoroso, sensível e extremamente apaixonado pelas imagens que captura.

O maior exemplo dessa inventividade está no clássico "Clube dos Cinco", no qual o confinamento espaço-temporal representa a ampliação dos potenciais imagéticos da obra, como no cinema de Sidney Lumet.

O drama e a aventura dos cinco jovens na detenção tem tanta humanidade em cada fotograma que é impossível não se assombrar com a sua grandeza.

*publicado originalmente em 07/2010.

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